hjem » Farge i interiøret

Asafiev om symfonisk og kammermusikk av Schubert. Sjangeren symfoni i verkene til F. Schubert Schuberts første symfoni




"Uferdig symfoni" i h-moll er et av de mest kjente verkene til den østerrikske komponisten Franz Peter Schubert, dedikert til amatørmusikkforeningen i Graz. De to første delene ble presentert i 1824.

I 1865 rotet den wienske hoffdirigenten Johann Herbeck, som utarbeidet et program for en konsert med gammel wienermusikk, gjennom hauger med glemte manuskripter. I det ikke demonterte arkivet til styrelederen i Steiermarks amatørmusikkforening A. Hüttenbrenner, oppdaget han et tidligere ukjent partitur av Schubert. Det var en h-moll symfoni. Under ledelse av Herbeck ble den fremført for første gang den 17. desember 1865 på en konsert i Wien Society of Music Lovers.

Franz Schubert skapte den uferdige symfonien i løpet av de siste månedene av 1822. I løpet av disse åreneSchubert varvar allerede viden kjent i Wien som forfatteren av mange vakre sanger og populære pianostykker, men ingen bortsett fra hans nærmeste venner kjente ham som symfonistog ingen av symfoniene hans ble fremført offentlig. Den nye symfonien ble først laget som et arrangement for to pianoer, og deretter som et partitur. Pianoutgaven inneholder skisser av tre satser av symfonien, men komponisten skrev kun ned to i partituret. Schubert kom ikke tilbake til henne igjen, fordisymfonien het: "Uferdig"


Gustav Klimt "Schubert ved pianoet" 1899

Det er fortsatt en pågående debatt om hvorvidt denne symfonien virkelig er uferdig, eller om Franz Schubert fullt ut realiserte planen sin i to satser i stedet for de generelt aksepterte fire. De to delene etterlater et inntrykk av utrolig integritet og utmattelse, noe som lar noen forskere hevde at komponisten ikke hadde til hensikt å fortsette, siden han legemliggjorde planen sin i to deler. Skisser av partituret til tredje sats er imidlertid bevart, men av en eller annen grunn ble de liggende igjen i skissen. Dessuten, blant musikken til stykket "Rosamund", skrevet i samme periode, er det en pause, også skrevet i h-moll - en toneart som ble ekstremt sjelden brukt - og ligner karakter på den tradisjonelle symfoniske finalen. Noen forskere av Schuberts arbeid er tilbøyelige til å tro at denne pausen, kombinert med skissene til scherzoen, utgjør en vanlig firedelt syklus.


Dette var ikke hans første symfoni som viste seg å være uferdig: før det, i august 1821, skrev han en symfoni i E-dur, den regnes som den syvende, hvis partitur ble skrevet i skisser. Generelt, for å lage et verk som begynner i B-moll og slutter i E-dur,på Schuberts tiddet var helt utenkelig.

I 1968 ble det gode gamle sovjetiske fjernsynsskuespillet "The Unfinished Symphony" utgitt om livet og arbeidet til den fremragende østerrikske komponisten Franz Schubert.


Kalyagins Schubert er veldig organisk og sjarmerende. Og Vedernikov på den mest inderlige måte syngerBak scenen


Til tross for noe naivitet og ganske naturlig for sin tid og valgte sjanger didaktisitet,filmen er interessant. Forfatternes samvittighetsfullhet når det gjelder å formidle portrettlikheten til karakterene og deres skuespill er imponerende.

Vokaldeler: A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

Melodien i første sats er enkel og uttrykksfull, som om man ber om noe, toner av obo og klarinett. Den begeistrede, skjelvende bakgrunnen og den ytre rolige, men fylt med indre spenning, kantilena skaper et mest uttrykksfullt, typisk romantisk bilde. Melodibåndet utfolder seg gradvis. Musikken blir mer og mer intens, når fortissimo. Uten et koblingsledd, obligatorisk for wienerklassikere, kun adskilt av en lakonisk overgang (den utstrakte lyden av horn) fra den viktigste, begynner en sidedel. En myk valsmelodi synges uanstrengt av celloer. En øy med rolig fred dukker opp, en lys idyll. Akkompagnementet svaier jevnt og trutt, som om det luner. Dette temaet får en enda lysere karakter når det plukkes opp og overføres til et høyere register på fiolinen. Plutselig bryter den frie, avslappede sangdansen av. Etter fullstendig stillhet (generell pause) - en eksplosjon av orkestertutti. Nok en pause - og igjen en eksplosjon av dundrende tremolo. Idyllen avbrytes, dramaet kommer til sin rett. Knusende akkorder stiger voldsomt, og fragmenter av akkompagnementet til et sekundært tema reagerer med klagende stønn. Det ser ut til at hun prøver å bryte gjennom til overflaten, men når hun endelig kommer tilbake, har utseendet hennes endret seg: hun er ødelagt, preget av sorg. På slutten av utstillingen fryser alt. Det mystiske og illevarslende motivet til introduksjonen kommer tilbake, som en uunngåelig skjebne. Utviklingen er bygget på åpningsmotivet og intonasjonene i sidepartiets akkompagnement. Dramaet intensiveres, og utvikler seg til tragisk patos. Den musikalske utviklingen når et kolossalt klimaks. Plutselig setter fullstendig utmattelse inn. De svekkede fragmentene av motiver forsvinner, og etterlater bare en ensom melankolsk tone å lyde. Og igjen kommer åpningstemaet snikende fra dypet. Reprisen begynner. Codaen, i tradisjonen til Beethoven, ble skapt som en andre utvikling. Den inneholder den samme smertefulle spenningen, fortvilelsens patos. Men kampen er over, det er ingen styrke lenger. De siste taktene høres ut som en tragisk epilog.



Den andre delen av symfonien er en verden av andre bilder. Her er forsoning, søken etter andre, lysere sider av livet, kontemplasjon. Det er som om helten, som har opplevd en åndelig tragedie, leter etter glemselen. Basstrinnene (doble pizzicato-basser) låter rytmisk, overlagt med en enkel, men overraskende vakker melodi av fiolinene, drømmende og sjelfull. Gjentatte ganger, den varierer og får uttrykksfulle melodier. En kort dynamisk takeoff-tutti - og igjen en rolig bevegelse. Etter en kort kobling dukker det opp et nytt bilde: melodien er naiv og samtidig dyp, mer individuell enn det første temaet, trist, i de varme klangene til klarinetten og oboen som erstatter den, minner om et menneske stemme, fylt med livlig beven. Dette er en sidedel av en lakonisk sonateform. Det varierer også, og får til tider en opphisset karakter. Plutselig er det en endring i dens jevne flyt – det høres dramatisk ut i den kraftfulle presentasjonen av hele orkesteret. Men et kort utbrudd erstattes av en uttrykksfull utvikling, rik på imitasjoner: dette er en kort utvikling, som ender med lange akkorder av strenger, mystiske horn og individuelle tre. Subtil orkesterlyddesign fører til reprise. I koden er det en falming, en oppløsning av det opprinnelige temaet. Stillheten kommer tilbake...

L. Mikheeva

belcanto.ru ›s_schubert_8.html



1 Symfonisk kreativitet: tidlige symfonier, romantiske symfonier - "Uferdig" og C-dursymfonien.

Schuberts tidlige symfonier er preget av deres nærhet til den wienerklassisistiske skolen. Av disse er de mest betydningsfulle den fjerde "tragiske" (c-moll, 1816) og den femte (B-dur, 1816). Disse verkene har tatt en sterk plass i det symfoniske repertoaret

takket være sin melodiske sjarm, plastisitet i formen og subtiliteten i instrumenteringen.

Den fjerde, moll, som komponisten kalte "Tragic", gjengir typiske heroisk-tragiske bilder som utviklet seg i den sosiale atmosfæren på tampen av den franske revolusjonen. I musikken ble dette heroisk-tragiske temaet oppdaget av Gluck og utviklet av Beethoven med uovertruffen perfeksjon. I Schuberts fjerde symfoni er det ikke hans nye intonasjoner som lyder (selv om «Margarita ved snurrehjulet» og «Skogkongen» allerede var skapt), men den klassisistiske stilens allerede kjente tragiske patos. Spesielt i hovedtemaet kan du høre Glucks "Orpheus", og ouvertyren til Cherubinis "Medea", og Beethovens C-moll-kvartett (hvor intonasjonen og den tematiske likheten med Schuberts symfoni ganske enkelt er slående), og hans " Pathetique Sonata», og ekko av Beethovens heroisk-dramatiske symfonier og ouverturer.

Introduksjonen overrasker med sin emosjonelle dybde og frimodighet i uttrykket, og lover et nesten Beethovensk omfang og lidenskapelig-tragisk kraft:

Eksempel 118a

Eksempel 118b

Men senere forblir ikke Schubert på dette nivået, og symfonien som helhet oppfattes som en noe skjematisk imitasjon av Beethoven. Bare den andre lyriske delen, med sin inspirerte sangglede og ubegrensede emosjonalitet, foreskygger utseendet til Schubert, den romantiske symfonisten.

Den femte symfonien er karaktermessig nær instrumentalmusikken til Mozart. Leken, solrik, gjennomsiktig poetiserer hun bildene fra den tidlige wienerklassisismen. Den første delen er morsom

en balansert Mozart-dans erstattes av episoder av en operastil. Den ariatiske cantilena i andre sats gjengir trekkene til den "følsomme" stilen på 1700-tallet, og dansekvaliteten til finalen minner om folkedansfinalene til Haydn eller tidlig Beethoven:

Eksempel 119a

Eksempel 119b

Eksempel 119v

Schubert viser en upåklagelig sans for proporsjoner, og gjengir her "galanteriet", symmetrien, den klare inndelingen av den klassisistiske symfonien på 1700-tallet, fortsatt veldig knyttet til suitens tradisjoner.

Etter den femte symfonien begynte en seksårig periode med nye oppdrag innen instrumentalmusikk. I løpet av disse årene ble den sjette symfonien i C-dur (1818), nær komponistens siste symfoni, og den uferdige symfonien i e-moll skrevet.

Og til slutt, i 1822, dukket "Ufinished" opp - den første lyriske symfonien uttrykt i ferdige romantiske virkemidler. Å bevare de grunnleggende prinsippene i Beethovens symfoni -

alvor, drama, dybde - Schubert viste i sitt arbeid en ny verden av følelser. En intim poetisk atmosfære og trist omtenksomhet dominerer humøret hennes.

Og likevel er det et sammenstøt her - alvorlig, dypt, intenst. Den evige konflikten mellom virkelighet og drøm, som lever i sjelen til enhver romantiker, bestemmer musikkens dramatiske natur. Alle sammenstøt utspiller seg i heltens indre verden.

Den dypt lyriske stemningen i dette verket, uvanlig i symfonisk musikk, er assosiert med bildene av Schuberts romantikk. For første gang ble romantiske vokaltekster "programmet" til et generaliserende symfonisk verk. Selv de mest karakteristiske uttrykksmidlene til "Unfinished Symphony" ser ut til å være direkte overført fra sangens sfære.

Nye lyriske bilder og tilsvarende uttrykksmåter passet ikke inn i den klassisistiske symfoniens opplegg og førte til transformasjonen av den tradisjonelle formen. Den todelte karakteren til "Uferdig symfoni" kan ikke betraktes som en konsekvens av ufullstendighet. Forholdet mellom dens deler gjentar slett ikke mønstrene i de to første delene av den klassisistiske syklusen. Det er kjent at Schubert, etter å ha begynt å komponere den tredje satsen - menuetten - snart forlot ideen om å fortsette den. Begge deler balanserer hverandre som to likestilte lyriske og psykologiske malerier.

Den unike strukturen til denne symfonien viste en tendens til å overvinne instrumentalsyklusens flerstemmige natur, som ville bli karakteristisk for den romantiske symfonismen på 1800-tallet.

Fra de første lydene av symfonien er lytteren fordypet i romantikkens emosjonelle sfære. I de dempede, mystiske "tale"-intonasjonene til åpningstemaet er trekkene til en Schubert-sang allerede merkbare (unison av kontrabasser og celloer i lave registre på pianissimo):

Eksempel 120

En fargerik bakgrunn, som en pianointroduksjon til en romantikk, går foran utseendet til hovedtemaet. Tegning klagende

temaet for hoveddelen, som minner om en sangmelodi, er akkompagnert av et skjelvende ostinato "akkompagnement":

Eksempel 121

Temaet for sidedelen, som lyder i cellos dype klang, utmerker seg med en sjelden melodisk sjarm. Den er relatert til den wienske husholdningssangen i mange av dens uttrykksfulle detaljer.

(starter med en pulserende synkopert bakgrunn og slutter med strukturell symmetri i henhold til ABBA-skjemaet):

Eksempel 122

Det triste, frittflytende hovedtemaet, med sin engstelige stemning, blir direkte motarbeidet av sekundærtemaets lette tekster. En ny effekt av kontrast skapes i de lyriske bildene. Dette fører til en betydelig modifikasjon av den indre strukturen til sonateformen.

Hovedpartiet presenteres i form av en gjennomført periode. Det er verken dynamiske utviklingsmessige forbindelsesdeler, eller skarpe tonale kontraster som er typiske for sonateallegroen til en klassisistisk symfoni. Hovedtemaet "kobler sammen" med sekundærtemaet med to akkorder. Toneforholdet er ikke tradisjonelt, men tertiansk (h-moll - G-dur i eksposisjon, h-moll - D-dur i reprise). Men inne i det tilsynelatende idylliske og fredelige sidepartiet utspiller det seg et spent sammenstøt. Dens klimaks (før slutten av utstillingen i øyeblikket for sidedelens gjennombrudd) i all sin dramatiske kraft kan sammenlignes med Beethovens dynamiske topper.

Ulike koloristiske teknikker spiller en svært viktig rolle i utviklingen av temaer. En fargerik bakgrunn er et integrert element i uttrykksevnen til hvert tema. "Piano introduksjon"-effekten går foran utseendet til ikke bare hoveddelen, men også sidedelen. Bakgrunnsintonasjonene er organisk vevd inn i sonatens utvikling: den akutt dramatiske utviklingen er basert på åpningstemaet og den tilhørende "bakgrunnen" til sidedelen.

Schubert fant mange subtile fargerike og uttrykksfulle effekter i selve teksturen. Men mest av alt ble fargerike tenkningen hans manifestert i orkesterklangen. Den enorme rollen til treblåsere (både som ledende soloinstrumenter for å forbedre vokalekspressiviteten til melodien, og i en ny beriket klangkombinasjon), lave registre og unisone lyder av strykerne, orkesterpianissimo, kalleteknikker, modifiserte "pedal"-effekter og beriket lyden av det gamle orkesteret.

Den andre satsen, Andante con moto, er full av samme poetiske omtanke som den første, men uten sin dramatikk; musikken får en mer opplyst, maskulin karakter, selv med

med noen heroiske overtoner. Det overvinner angsten og tristheten i den første delen. Alt som gjenstår fra mental uro er et minne.

Intonasjonstrekkene og utviklingstypen til andre sats er svært beslektet med de mest karakteristiske trekkene til Allegro.

Begge temaene kjennetegnes av fantastisk skjønnhet: både den brede melodiøse hoved, presentert i en komplett tredelt sangform, og den sekundære, gjennomsyret av subtile psykologiske nyanser som understrekes av moduler som er fantastiske i fargen. Komponisten fant en bemerkelsesverdig falmingseffekt helt på slutten av verket.

Eksempel 123a

Eksempel 123b

Ingen av komponistene fra første halvdel av 1800-tallet kjente til Schuberts «Uferdig symfoni». Manuskriptet ble oppdaget først i 1865, etter at Mendelssohn, Berlioz, Schumann og Liszt hadde bidratt til dannelsen av romantisk symfonisme.

Den niende symfonien i C-dur (1828) er et verk like nyskapende som «Uferdig». Men hvis sistnevnte var et uttrykk for intime stemninger, så er den niende - glitrende, ung, full av vital energi - legemliggjørelsen av folkelige heltebilder. Selv i hennes «guddommelige lengder» (Schumann) kan man føle episk poesi. For Schumann, som er kreditert med oppdagelsen av dette verket, så det ut til å personifisere Wiens ånd - dens folkekultur, historie, dens natur.

I den niende symfonien kan vi føle et glimt av vår tids mest vitale motiv - motivet krig og fred, under tegnet som verdensbildet til kunstneren av Schuberts generasjon ble dannet. Samtidig lever bilder av nasjonal folklore i denne musikken. Dermed er introduksjonen, med sin "magiske" lyd av horn og den fargerike transformasjonen av et lyst originalt tema, farget med smaken av "skogromantikk":

Eksempel 124

Dette bildet, dominerende i tysk folklore, ville bli typisk for romantisk poesi og opera på 1800-tallet (Eichendorff i poesi, Weber, Marschner, Wagner i musikk). Innledningen inneholder også en effekt som minner om den gradvise tilnærmingen til en høytidelig prosesjon.

Den romantiske smaken av symfonien er til å ta og føle på i mange av dens elementer, fra den romantiske og hverdagslige karakteren til de lyriske temaene til lyden av orkesteret, der nesten verbal uttrykksevne kombineres med de rikeste fargemodulasjonene.

Men samtidig hersker innslaget av marsj gjennom hele verket. Rytmene i prosesjonen og lyden av fanfarer gjennomsyrer all musikken. I den niende symfonien legemliggjorde Schubert sin idé om vår tids heroiske tanker mest fullstendig og levende.

Den jublende, raske Allegro ma non troppo domineres av hoveddelens strålende tema:

Eksempel 125

Fra dens fanfarelignende intonasjoner vokser et heroisk motiv som gjennomsyrer alle utviklingsepisoder. Kraftige rop av tromboner mot bakgrunnen av skinnende treblåsere, dristige harmoniske sammenstillinger og modulasjoner gir Allegro en lys romantisk smak:

Eksempel 126

Det heroiske bildet kontrasteres med et tema som minner om en hverdagslig sensitiv romantikk:

Eksempel 127

Det er kontinuitet i tolkningen av sonata allegro-formen med "Uferdig symfoni". Det manifesterer seg i prinsippet om sammenstilling av temaer, i introduksjonen av et dynamisk utviklende element i sfæren til en sidedel i det tertianske toneplanet.

Den andre satsen, Andante con moto, er av forbløffende skjønnhet. I begge de vidt utviklede temaene kombineres sangfullhet med marsjerende heroiske intonasjoner og rytmer. Dette er arten av det første emnet:

Eksempel 128

Til tross for sin enorme størrelse, fengsler Andante med sin sangaktige spontanitet og enkelhet. A. N. Serov så i denne delen en sammenheng med folkebryllupssanger. Det er karakteristisk at selv utviklingen av Andante, basert på varierte kupletter, minner om en gigantisk utvidet form for Schuberts romantikk.

I det første temaet Andante (så vel som i temaet til sidedelen Allegro) kan man høre innslag av ungarsk folkemusikk. Bemerkelsesverdig er også den karakteristiske Schubertianske teknikken med å spille "chiaroscuro", en uventet stor opplysning etter en lang skumring moll.

I tredje sats av symfonien forvandler Schubert scherzo til vals. Musikken er full av wienergatemelodier, og den midterste episoden (trioen) er skrevet i ånden til en enkeltsinnet landboer. Men denne godseieren dukker nå opp i form av en titanisk massedans.

Bruken av valsen som en selvstendig del av en symfonisk syklus ville senere bli utbredt i sonatesymfonisk litteratur på 1800-tallet (Schumann, Berlioz, Tchaikovsky).

I sin figurative struktur ligner finalen bildet

folkemoro i siste sats av Beethovens syvende symfoni. Men i motsetning til Beethoven, metter Schubert musikken ikke med dans, men med marsjerende elementer. Den positive tonen i presentasjonen, fartsfylte temaer og omfanget av musikalsk utvikling skaper inntrykk av et grandiost bilde av vinnernes retur.

Schuberts niende symfoni mangler den intellektuelle kraften og den storslåtte arkitekturen til Beethovens verk. Dens styrke ligger andre steder - i lysstyrken og nyheten i bildene, i den fengslende musikaliteten, i den eksepsjonelle skjønnheten til individuelle øyeblikk. Denne symfonien tilhører i sin helhet den nye nasjonalromantiske skolen.

Både i nærbilde og i detalj er det en slik bredde og enhet i konseptet, en slik rikdom av fantasi og kraften til dynamiske klimaks at alt dette fortsatt sjokkerer lytterne.

"Virkelig strålende i inspirasjon, i styrke, i impuls, i skjønnhet, i uttrykk for "nasjonalitet" og "populære masser" i de tre første satsene og "krig" i finalen," skrev V. V. Stasov om Schuberts niende symfoni, og hevdet at hun «for alltid vil være en av de øverste musikalske skapningene i verden».

"Et gigantisk verk, kjennetegnet ved sin enorme størrelse og enorme styrke, og rikdommen av inspirasjon som er investert i det ..." - P. I. Tsjaikovskij skrev om denne symfonien, og la merke til dens spesielle originalitet, "harmoniseringens sjarm" og "friskheten av folkeelementet, det dominerende innen melodisk design."

25 Mozarts g-moll symfoni blir ofte med rette pekt på som den umiddelbare forgjengeren til «Ufinished». Og likevel, selv om Mozarts symfoni utvilsomt har en lyrisk karakter, er likevel intonasjonen av temaene, strukturen til sonata-allegroen og dramaturgien i hele syklusen assosiert med de typiske trekkene ved klassisismens estetikk.

Andante-formen er en sonate uten utvikling.

Franz Schubert "Uferdig symfoni"

De færreste vet det, men et av de mest gjenkjennelige verkene fikk ikke anerkjennelse i løpet av livet. I verkets musikalske tekst krypterte komponisten alt som var mest karakteristisk for den romantiske perioden. Musikken etterlater en fantastisk ettersmak, og det er et mysterium i den, fordi den ikke passet inn i sin tids standarder i det hele tatt.

Skapelseshistorie Symfonier nr. 8 Schubert, kjent som "Uferdig", les innholdet og mange interessante fakta om arbeidet på siden vår.

Skapelseshistorie

Komponisten jobbet aktivt med verket fra 1822 til 1823. Først ble det komponert en pianoversjon, deretter ble to av de tre delene orkestrert. Scherzoen forble i skisser. Musikologer antar om forfatterens beslutning at fortsettelsen av tanken vil være unødvendig og vil føre til tap av ideologisk innhold, men dette faktum er ikke bekreftet. Til i dag er det ingen som vet hvorfor han ble tvunget til å forlate den klassiske formen.

Det faktum at komposisjonen ikke er fullført er imidlertid fullstendig tilbakevist, siden han etter å ha fullført arbeidet var aktivt involvert i andre prosjekter. Som vennene hans bemerker, begynte han ikke på nye arbeider før han fullførte det gamle. Dessuten ga han partituret til Anselm Hüttenbrenner, som selv var en ganske kjent musiker med spesialisering i den symfoniske sjangeren. Men han fryktet at vennen skulle bli vanæret, forlot partituret uten oppmerksomhet. Snart glemte Franz sitt eget arbeid.


Selv etter Schuberts død samlet manuskriptet støv i Hüttenbrenners eie. En vakker dag i 1865 holdt den østerrikske dirigenten Johann Herbeck på å sortere ut upubliserte noter. Han var på utkikk etter interessante verk til en konsert dedikert til fortidens wienermusikk. Slik ble et hittil ukjent opptak funnet. Premieren fant sted samme år og var en dundrende suksess blant publikum.

Et år senere ble symfonien utgitt og begynte å bli fremført over hele verden. Slik kom berømmelsen til et geni til Franz Schubert.



Interessante fakta

  • Det er en versjon om at del III og IV gikk tapt fordi de ikke ble holdt av nære venner, som forfatteren ofte viste sine egne kreasjoner til.
  • Dirigent Johann Herbeck, som var den første som fremførte symfonien, oppdaget den helt ved et uhell.
  • Jeg glemte hele tiden mine egne arbeider. Så han kunne improvisere i timevis og lage ekte mesterverk. Når Franz fikk med seg noter fra komposisjonene sine, sa han alltid det samme: «For en fantastisk ting! Hvem er forfatteren?
  • Noen musikere prøvde å skrive slutten. Disse inkluderer den engelske musikkforskeren Brian Newbauld og den russiske vitenskapsmannen Anton Safronov.
  • Ved første forestilling ble finalen fra den tredje symfonien fremført som et tillegg.
  • Dette er et absolutt ferdig verk, siden det gikk to år etter opprettelsen da han endelig bestemte seg for å vise symfonien til sin nærmeste venn.
  • Presentasjonen fant sted bare førti år etter døden til den første romantikeren.
  • Partiturskisser for Scherzo er funnet i upubliserte noter.
  • Schuberts venner mente åpent at den store formen ikke ble gitt ham i komposisjonene hans. De lo ofte av Franz for hans forsøk på å lage en komplett symfonisk syklus.
  • Det antas at forfatteren ikke hadde tid til å fullføre komposisjonen på grunn av døden, noe som selvfølgelig er en myte.

Konduktører


Det er ingen hemmelighet at komposisjonen er ganske kjent i musikalske kretser. Den fremføres på den store scenen av de beste symfoniorkestrene. Men ikke alle lykkes med å bringe lytteren nærmere den sanne intonasjonslyden som er karakteristisk for den tiden.

Følgende regnes som eksemplariske forestillinger:

  • Nikolaus Harnoncourt la vekt på åpenhet og letthet. Nøyaktighet i dynamiske termer gjorde musikken mer sofistikert og elegant.
  • Leonard Bernstein har et annet syn enn den forrige musikeren. Drama og intensitet er grunnleggende for hans tolkning.
  • Herbert von Karajan fremhever temaet for introduksjonen, og definerer hovedstedet for det.

Den "uferdige" symfonien er komplett, innholdet taler om dette. Komponisten reiser evige spørsmål om menneskets skjebne. I den todelte serien ser det ut til at spørsmålet blir desperat stilt: "Hva er forskjellen mellom fiksjon og fantasy, hvor finner man virkelighetens grenser?"

Symfonien består av to deler, og de står ikke i motsetning til hverandre, men utfyller hverandre. Det eneste å merke seg er forskjellen i stemningen til tekstene:

  • I. Lyriske opplevelser.
  • II. Kontemplasjon, opplyst dagdrømmer.

Gjennom Del I helten er på jakt etter et ideal. Han haster rundt, sjelen hans plages av vag tvil, han mister troen på å finne lykken. Deretter er det en forståelse av at lykke finnes innenfor, du trenger ikke å lete etter den rundt om i verden. Du trenger bare å leve og nyte hver dag. Livet er vakkert å tenke på.


Syklusen åpner med en dyster innledning som oppsummerer et helt kompleks av bilder som er karakteristisk for romantikken: evighet, angst, sløvhet. Melodien er synkende, og skaper fargen på midnattståke. Dette er den uklare bevisstheten til den lyriske helten, der alt er i kaos. Temaet for introduksjonen spiller en formende rolle; det bærer også hovedideen til verket. I fremtiden vil det vises før utvikling og kode. Det er bemerkelsesverdig at den musikalske episoden står i kontrast til intonasjonsmaterialet som følger den.

Heltens stemme kommer inn i hoveddelen. Dette er et mindre sangtema med en klagende klang. fløyter Med obo er en klar indikator på Schuberts individualitet som komponist. Teksten til sangen lar deg uttrykke all den emosjonelle intensiteten. Det karakteristiske akkompagnementet tilfører angst og spenning. Pendelen begynner å svinge. Stemningen grenser til elegi og nocturne.

Et mer aktivt bilde kan sees i Sidepartiet. Synkopert rytme, enkel harmonisk struktur - alt dette er også sangattributter, men karakteren har endret seg til en mer positiv og munter. Tonaliteten til G-dur er i et tertiansk forhold og formidler stemningen perfekt. Deretter vil komponisten aktivt spille med harmonien i delen, enten gjøre den mørkere eller gjøre den energisk igjen.

Dynamikken øker gradvis, sonoriteten øker. Den prikkede rytmen representerer hjertets ujevne slag. Musikken mister sin lekenhet og begynner å underkaste seg atmosfæren av tragedie og drama. Plutselig trenger en ny episode i tonearten c-moll seg på. Dette er et vendepunkt. Generell pause. Det er ikke flere ord. Men du må reise deg og gå videre. Viljen til å fortsette veien gjenspeiles i dynamikken til forten, men den ble undertrykt av symbolet på det tragiske - akkorden til den endrede underdominanten. Etter emosjonelle ramaskrik gjenopprettes materialet til Sidepartiet.


Utbyggingen består av to deler. Det innledes med introduksjonsmateriale, hvis tema blir til ariesang på bakgrunn av akkompagnement. Temaet høres ut på kulminasjonspunktet i akkordteksturen. Det har uttømt alle spørrende intonasjoner og høres bekreftende ut. En semantisk metamorfose har skjedd. Temaet materialiserte seg fra tanken til virkeligheten. Konflikt åpnet opp gjennom transformasjon.

I reprisen blir det ikke flere dramatiske kollisjoner alt har skjedd. Codaen skjerpes av intonasjonene i innledningen, som skaper inntrykk av en bue.

Del II. Andante con moto er personifiseringen av trist løsrivelse. Delikate harmoniske farger har uvanlige toneoverganger. Endringen av dur og moll antyder endringer i livet til den lyriske helten. Den lyse klangen til strykegruppen i kombinasjon med blåseinstrumenter dominerer. Denne orkestreringsteknikken lar deg uttrykke poesien og den kontemplative stemningen forbundet med å være i naturen. Den lyriske helten har endelig funnet sitt stille fristed, som gir ham ro og balanse. Ingenting bekymrer ham lenger, ingenting skygger på bevisstheten hans. Helten ble fri.


Verket ble nyskapende i denne sjangeren, og ble et eksempel på romantikken. De karakteristiske trekkene til den nye tiden inkluderer følgende egenskaper:

  • Forbedring av dramaturgi;
  • Fremveksten av en annen konfliktstruktur;
  • Karakterforskjeller;
  • Tiltrekning til programmet;
  • Ulik representasjon;
  • Ny stil;
  • Interne og eksterne endringer i skala;
  • Øke uttrykksformen;
  • Avslag på den sykliske strukturen;
  • Oppdatert komposisjon.

Hovedforskjellen mellom Schuberts verk i stor form er den ytre bevaringen av den tradisjonelle strukturen med alvorlige endringer i tematisk tema. I romantikkens tid var det ikke vanlig å skjule sine egne følelser, de kunne ikke lenger passe inn i klassisismens standarder.

Den kunstneriske betydningen av dette symfoniske verket kan ikke undervurderes. Takket være komponisten dukket det opp en ny lyrisk-dramatisk type symfoni i instrumentalmusikken. Deretter brukte mange genier verket som en modell for å bygge den korrekte dramatiske linjen.

"Uferdig symfoni" på kino

Symfoni nr. 8 er et eksempel på et romantisk syn på det kjente. Mange filmregissører brukte musikk i filmene sine for å formidle atmosfære og stemning.

  • Mozart i jungelen (2015);
  • Love is the Perfect Crime (2013);
  • Sicilian Accord (2012);
  • American Dad (2010);
  • Coasts of Agnès (2008);
  • løsepenger ved middagstid (2005);
  • The Haunted Adventures of Casper and Wendy (2002);
  • Foyles krig (2002);
  • Minoritetsrapport (2002);
  • Frekke animasjoner (1993);
  • Too Beautiful for You (1989);
  • Pingu (1986);
  • Detektiv (1985);
  • Doctor Who (1981).

Musikken til Franz Schubert dekorerte ikke bare filmene ovenfor, men brakte også filmene til den største filmarenaen. Filmene mottok priser for sin musikalske design.

8. symfoni Sh Uberta – dette er ikke en falming, men en skjønnhet som blomstrer med årene. Lyriske intonasjoner, magisk lyd, harmoni kombinert med nyhet - dette er det som vil bli uendelig verdsatt av lytteren.

Video: lytt til Schuberts "Uferdig symfoni"

Den romantiske symfonismen skapt av Schubert ble hovedsakelig definert i de to siste symfoniene - den 8., h-moll, kalt "Uferdig", og den 9., C-dur. De er helt forskjellige, motsatte av hverandre. Den episke 9. er gjennomsyret av en følelse av den altovervinnende gleden ved å være. "Uferdig" legemliggjorde temaet deprivasjon og tragisk håpløshet. Slike følelser, som reflekterte skjebnen til en hel generasjon mennesker, hadde ennå ikke funnet en symfonisk uttrykksform før Schubert. "Unfinished" ble opprettet to år før Beethovens 9. symfoni (i 1822), og markerte fremveksten av en ny symfonisk sjanger - lyrisk-psykologisk.

Et av hovedtrekkene i B-moll-symfonien gjelder dens syklus, bestående av bare to deler. Mange forskere har prøvd å trenge gjennom "mysteriet" til dette verket: ble den strålende symfonien virkelig forlatt uferdig? På den ene siden er det ingen tvil om at symfonien ble tenkt som en 4-delt syklus: dens originale pianoskisse inneholdt et stort fragment av 3. sats - scherzoen. Mangelen på tonal balanse mellom satsene (h-moll i 1. og E-dur i 2.) er også et sterkt argument for at symfonien ikke på forhånd var tenkt som en 2-stemmig symfoni. På den annen side hadde Schubert nok tid om han ville fullføre symfonien: etter «Unfinished» skapte han et stort antall verk, inkl. 4-sats 9. symfoni. Det er andre argumenter for og imot. I mellomtiden har «Unfinished» blitt en av de mest repertoarsymfonier, absolutt uten å gi inntrykk av usagt. Planen hennes i to deler viste seg å bli fullt ut realisert.

Ideologisk konsept Symfonien reflekterte den tragiske spliden mellom den progressive mannen på 1800-tallet og hele den omkringliggende virkeligheten. Følelser av ensomhet og deprivasjon dukket først opp i henne ikke som tonen i en separat følelsesmessig tilstand, men som den viktigste "meningen med livet", som holdning. Hovedtonaliteten til verket er karakteristisk - h-moll, sjelden i musikken til wienerklassikerne.

Helten til "Ufinished" er i stand til lyse protestutbrudd, men denne protesten fører ikke til seier til et livsbekreftende prinsipp. Når det gjelder intensiteten i konflikten, er ikke denne symfonien dårligere enn de dramatiske verkene til Beethoven, men denne en konflikt av en annen art, overføres den til den lyrisk-psykologiske sfæren. Dette er opplevelsens drama, ikke handling. Dens grunnlag er ikke kampen mellom to motsatte prinsipper, men kampen innenfor personligheten selv. Dette er det viktigste trekk ved romantisk symfonisme, det første eksempelet var Schuberts symfoni.

1 del

Det aller første bildet av symfonien, gitt i sin introduksjon, er helt uvanlig: i unison av celloer og kontrabasser oppstår stille et dystert tema, spørrende falmer på D i hovedtonen (hovedtemaet vil begynne fra samme lyd). Dette er epigrafen til hele symfonien og den viktigste, veiledende ideen til den første delen, som dekker den i en ond sirkel. Det høres ikke bare i begynnelsen, men også i sentrum og ved avslutningen av del I, en konstant, vedvarende idé. Dessuten utvikler intonasjonene av gledeløs refleksjon seg gradvis til fortvilelsens tragiske patos.

Når den er satt inn hoved-Emner Schubert bruker en karakteristisk metode for sangteknikk – presentasjon av bakgrunnsmateriale før melodi intro. Dette ensartede akkompagnementet av strykere, som suser fremover, høres helt opp til introduksjonen av siden, og forener hele den tematiske linjen (også en sangteknikk). Akkompagnementet skaper en følelse av engstelig uro, mens selve tematikken har en rørende trist karakter og oppfattes som en klage. Komponisten fant uttrykksfull instrumentering - en kombinasjon av obo og klarinett, som myker opp noe av hardheten i hovedklangen.

Et karakteristisk trekk ved utstillingen av "Uferdig" symfonien er den direkte sammenligningen av hoved- og sekundærtemaene, uten en utviklet sammenhengende del. Dette er et karakteristisk trekk ved sangsymfonismen, fundamentalt motsatt av Beethovens logikk om suksessive overganger. Hoved- og sidetemaer kontraster, Men Ikke konfliktfylt, sammenlignes de som forskjellige sfærer av sangtekster.

MED sideparti Den første dramatiske situasjonen i symfonien henger sammen: det lyse og vidunderlige, som en drøm, tema (G-dur, cello) slutter plutselig, og etter en generell pause, mot bakgrunnen av dundrende skjelvende molakkorder, den første femte intonasjonen av hovedtemaet høres sørgmodig ut. Denne tragiske aksenten slår til med en skarp overraskelse og er assosiert med en drøms kollaps når den kolliderer med virkeligheten (et typisk romantisk apparat). På slutten av utstillingen høres åpningstemaet igjen i konsentrert stillhet.

Alle utvikling er utelukkende basert på materialet i introduksjonen. Schubert er skaperen her monolog den typen utvikling som er så karakteristisk for en romantisk symfoni. Appellen til ham var forårsaket av en spesiell dramatisk plan: komponisten søkte ikke å fange kampen med motsatte prinsipper, overvinne hindringer. Målet er å formidle håpløsheten til motstand, en tilstand av undergang.

Den ende-til-ende utviklingen av introduksjonstemaet skjer i utviklingen av 2 trinn. Den første av dem er assosiert med intensiveringen av lyrisk-dramatisk uttrykk. Den melodiske linjen i temaet synker ikke ned, men stiger oppover i et sterkt crescendo. Økningen i følelsesmessig spenning fører til det første klimaks - en motstridende dialog mellom det truende åpningsmotivet og de melankolsk-klingende synkopasjonene fra sidedelen (den gjennomføres tre ganger). Den første utviklingsfasen avsluttes med en dundrende fremføring av temaet for introduksjonen til orkesterets tutti i e-moll.

Det andre utviklingsstadiet er underordnet å vise det uunngåelige angrepet av fatale styrker. Intonasjonene i temaet blir mer og mer harde, harde og autoritative. Men når den nærmer seg slutten av utviklingen til den ultimate klimaeksplosjonen, tørker den tragiske intensiteten plutselig opp. Denne teknikken med å "sprenge" klimakset før reprise er veldig karakteristisk for Schubert.

I reprise Det er ingen vesentlige endringer, kun sidepartiet utvider seg i volum og blir tristere (overgang til h-moll). Mangelen på forandring etter smertefulle impulser, angst og utviklingskamp får en dyp betydning: "alt er forgjeves." Det kommer en bevissthet om konfliktens uløselighet, ydmykhet før den tragiske uunngåelighet. Denne utgangen gir kode, hvor temaet for introduksjonen kommer tilbake igjen, og får en enda mer sørgmodig tone.

del 2

I del II dukker en annen karakteristisk side av romantikken opp – fred i en drøm. Andantes kontemplative fred og drømmende tristhet oppfattes ikke som å overvinne en konflikt, men som forsoning med det uunngåelige (i likhet med "The Beautiful Miller's Wife"). Sammensetningen av Andante ligger tett opp til sonateformen uten utvikling. Samtidig går mye av det tilbake til todelte sangformer:

  • sang-lyrisk tematikk,
  • erstatte tematisk utvikling med variant melodisk utvikling,
  • lukket presentasjon av hovedtemaet.

Sangaktig, bred, full av stille kontemplativ fred og ro, hovedtema lyder i fioliner og bratsj etter en kort introduksjonsfrase (synkende skala av kontrabasser рizzicato mot bakgrunnen av myke akkorder av horn og fagott).

Som del I, en ny musikalsk tanke - sidetema- introduseres ikke som en motstridende kraft, men som en overgang til en annen emosjonell sfære - elegisk. Rørende og saktmodig, barnslig naiv og samtidig alvorlig, hun får deg til å huske s. Del I: synkopert akkompagnement (fioliner og bratsj), forbereder introduksjonen av melodien, et plutselig mørkt skifte inn i riket av dramatiske opplevelser. Men betydningen av disse temaene er en helt annen. Hvis det sekundære temaet i del I åpnet tilgang til en lys drøms verden, så karakteriserer det i Andante en tilstand av ødelagthet og forsvarsløshet. I reprise begge temaene presenteres nesten uendret (tonaliteten til den sekundære er a-moll). Codaen, bygget på individuelle motiver av hovedtemaet, vender tilbake til hovedstrømmen av fredelig kontemplasjon.

Hos Schubert finnes ikke h-moll som hovedtonalitet i verket i noe annet instrument. komposisjon (unntatt danser). I låtskrivingen hans bruker han tvert imot ofte h-moll, og assosierer det som regel med legemliggjørelsen av en tragisk, uløselig situasjon ("Double" til Heines ord).

Symfonisk musikk og kammermusikk er et like viktig og interessant kapittel i hans kreative biografi. Schubert begynte å komponere symfonisk musikk i en alder av 16. Totalt skrev han, inkludert de såkalte «uferdige», åtte symfonier, hvorav de mest populære er «neo-yotenmeya» i h-moll (1822) og den store C-dur (1828). Av de 6 amfoniene som gikk foran dem, er det bare to - den "tragiske" B-dur (1816) og den tidlige, andre B-dur (1814), hvis innhold minner om Beethovens fjerde, noen ganger i konsertprogrammer.

Schuberts symfonier kommer kun overfladisk i kontakt med Beethovens, faktisk er de fundamentalt motsatte av dem både når det gjelder harmonisk modularitet (her er han en av de mest oppfinnsomme artistene i verden) og i betydningen fargerik sensasjon. Schubert tok et svært viktig skritt for den videre historien til symfonisk musikk. Han styrket sangprinsippet i symfonien, og introduserte den kunstløse melodien til romantikken hans i den symfoniske flyten. Elementene i folkemusikken, melodiene til de slaviske folkene som bor i den øvre østerrikske dalen (allegretto), duften av åkre, skoger, varme strømmer av sollys fyller hans beste symfoni - en stor C-dur Historien om romantisk instrumentering begynner med ham - det er nok å påpeke, for eksempel, den enestående før ham bruken av den romantiske klangen til hornet og oboen.

Schubert var ikke like heroisk som Beethoven. Han manglet Beethovens optimisme og bevissthet om sitt samfunnsoppdrag. Sjenert og politisk underutviklet, selv om han var begavet med stor intelligens og observasjon, ble Schubert fullstendig deprimert av den dystre «Metternichian»-reaksjonen. Karakteristisk for Schubert er en stemning av lett tristhet, noen ganger tykkere til tragisk patos. Virtuos briljans er helt fremmed for musikken hans; denne omstendigheten begrenset kretsen av lyttere til hans fantastiske piano- og kammerkomposisjoner. De største pianoverkene - 15 av sonatene hans - er lite kjent for moderne pianister, og bare to av dem nøt og nøt litt berømmelse. Akkurat som i sin symfoniske musikk, viser Schubert også her en ekstraordinær teft for lydfargen til instrumentet, og bringer ham nærmere Liszt.

I tillegg til sonatene skapte Schubert også en rekke små karakteristiske pianostykker rike på poetisk innhold ("Impromptu", "Musikalske øyeblikk"). Sistnevntes innflytelse på Chopin, Schumann og Liszt var meget stor, og Schubert må absolutt betraktes som forgjengeren til disse komponistene innen pianodikt. Han forble uforlignelig innen firehånds pianokomposisjoner. Til slutt, ganske verdig hans genialitet spilles sjelden komposisjoner for fiolin og piano, et stort antall danser for piano... Hans utømmelige fantasi skapte også et stort antall kammerensembler - 15 strykekvartetter, to pianotrioer og en nocturne for samme komposisjon, strykekvintett med to celloer, kvintett med piano (den såkalte “Trout” kvintetten), oktett for blåsere og strykere, begravelsesmusikk for 9 blåseinstrumenter. Av alle disse verkene er de viktigste hans siste kvartetter), to pianotrioer og begge kvintettene. Til slutt, for historikeren av Schuberts musikalske kreativitet, er hans musikalske og dramatiske verk enda viktigere - vaudevillen "Tvillingbrødrene", melodramaet "The Magic Harp", musikken til Chezys skuespill "Rosamund", den store operaen "Alphonse". og Esgrella", "Fierrabra", "Hjem"-krigen, osv. Listen over kultverk komponert av Schubert er meget omfattende. Symfonisten Schubert er et påfallende progressivt fenomen når det gjelder moden, frodig orkestrering, med sin utstrakte bruk av messing. Hans fantastiske melodiske gave er kombinert med det flotte temperamentet til en malerkunstner, som alltid kan finne riktig farge for melodiene sine.

Schubert påvirket den neste generasjonen av musikalske romantikere bare gjennom originaliteten til melodiikken hans. Som symfonist fant han sin refleksjon først senere, blant de største representantene for symfonismen på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet; som forfatter av romanser skapte han en skole som har fortsatt til i dag. Utenfor hjemlandet, som var så likegyldig til sin geniale sønn, spredte Schuberts musikk seg veldig raskt, men nesten utelukkende i vokalfeltet. I Russland, for eksempel, fant den første fremføringen av Schuberts store C-dur-symfoni sted først i 1858. De russiske komponistene som står ham nærmest i tekstens natur er Glinka og Rimsky-Korsakov The complete works of Schubert, utgitt av Breitkopf og Hertel, under redigert av E. Mandishevsky, dekker førti bind Den første biografien om ham, skrevet av Kreisle von Heilborn, ble utgitt i 1865. I forbindelse med den minneverdige datoen for hundreårsdagen for Schuberts død, en rekke nye studier. om musikken hans ble utgitt, ble det utlyst en verdenskonkurranse om fullføringen av symfonien (prisen ble mottatt av den svenske komponisten K. Atterberg I 1935 ble det nytt dokumentarmateriale om Schubert og manuskriptet til hans symfoni i E-dur). oppdaget.